Souvent, avant d’attaquer la construction du personnage à la dimension finale, surtout quand je ne suis pas trop sûr de la posture que je vais lui donner, je commence par faire des mini-esquisses en petit (comme précédemment expliqué ici), dans un coin de ma feuille, histoire de voir ce qui pourrait convenir. L’intérêt de faire ces « prototypes » miniatures c’est qu’en peu de traits on peut se faire une idée de la voie à suivre. L’idéal est bien sûr de faire en quelque sorte le dessin dans sa tête, puis de le retranscrire sur papier. Mais parfois on n’est pas vraiment convaincu de ce que serait la meilleure solution. Un mini-crobard permet alors de « fixer » une ou des options possibles, et de les comparer.

Là, on peut voir qu’après un premier test avec une posture assez droite mais, justement, un peu trop raide (seule la cape aurait apporté un peu de mouvement dans l’image), j’ai essayé de voir ce que donnerait une pose plus ramassée, avec un mouvement plus complexe dans la cape et, surtout, l’épée-laser brandie de manière assez menaçante. Il y a même trois essais différents de positionnement de l’épée… Non, ce n’était pas pour faire un GIF animé 😉 mais pour voir ce qui, dans la composition de l’image, conviendrait le mieux pour placer l’épée. Finalement, y’a pas de mystère : l’épée levée est tout de même plus agressive, et c’est donc l’option qui sera retenue.
En attaquant le crayonné définitif, j’ai procédé comme souvent : un « premier jet », puis je retourne la feuille et, par transparence grâce à la table lumineuse, je travaille mon personnage de l’autre côté pour rectifier les erreurs, préciser des détails et tracer les vêtements, sans « massacrer » la première étape, qui est évidemment le support de tout le reste. Du coup, c’est logique, cette deuxième étape est à l’envers, par rapport à la première esquisse, qui est bien entendu faite dans le sens que je souhaitais au départ pour le dessin final. Eh bien il arrive qu’à ce stade je me rende compte que ça se présente mieux dans un sens que dans l’autre, et là c’est typiquement le cas : en orientant le corps vers la gauche, finalement, l’action semble pouvoir se diriger vers la droite, et donc dans le sens de lecture (ce qui est mieux, pour une illustration dans une page de magazine, environnée de texte, et qu’on explore de gauche à droite…). C’est donc cette orientation qui a été adoptée, ce qui explique le retournement par rapport à la mini-esquisse No 2.

Que dire d’autre ? Que le drapé de la cape n’est sans doute pas très réaliste… C’est pas facile à faire, les drapés ! Mais bon, grosso-modo l’effet recherché (dynamiser la composition) est à peu près atteint, c’est le principal.
L’importance de la doc, aussi : il est essentiel de savoir s’en libérer, de ne surtout pas se sentir piégé par les références visuelles, mais avoir quelques points de départ est vraiment important, surtout quand il s’agit, comme ici, d’une figure emblématique, et qu’on doit évidemment reconnaître du premier coup d’œil ! Dans ce cas, bien entendu, j’ai sans difficulté trouvé toutes les photos dont j’avais besoin sur le web.

Merci l’Internet !… 😉

Voilà un personnage qui n’a pas beaucoup servi (une seule case dans tout l’album, plus une présence discrète sur le dos de couverture) et qui est surtout resté très discret, car son nom ne figure nulle part… Le secret vous est donc enfin révélé, à l’occasion de la présentation de cette esquisse, qui constitue le prototype du personnage, réalisé sur un coin de papier croquis.

Ce dessin représentait un défi très intéressant à relever, puisqu’il s’agissait, en quelque sorte, de créer ce qu’il faut bien appeler une bellaminette en peluche ! Je me suis donc efforcé de dessiner un personnage qui soit à la fois rondouillard et élégant, pataud et vaporeux, pelucheux et féminin, enfin bref, l’impossible !… Dans la foulée, j’ai évidemment ajouté les « petits détails » qui contribuaient à faire ressembler ce personnage à une déesse : voiles flottants et transparents, bijoux magiques, et bien entendu une posture évoquant le caractère intangible de cette être, et donc je l’ai dessinée flottant dans les airs. Les traits propres à Tchoubou sont devenus féminins, avec un côté chat persan, de longs poils très légers et entrelacés à la manière des cheveux des bellaminettes un peu « art nouveau », des cils très longs, et surtout des proportions adaptées : mains et pieds très menus, et pelage pigeonnant sans rendre le personnage grassouillet.

Eh ben c’était pas facile !… Ça aurait pu tourner au ridicule, donner une caricature burlesque, quelque chose qui n’aurait rien eu à voir avec ce que j’essayais d’évoquer, de douceur et de tendresse, à travers ce personnage…
Mais finalement je trouve ce résultat très mignon… 🙂

Cette bellaminette était un pur projet de recherche… Ça aurait pu être une esquisse pour la pub d’un parfum qui se serait appelé « roudoudou » ou quelque chose comme ça… 😉
À cause de la forme générale qui s’inscrit très bien dans un cercle ça aurait pû faire une pin-up pour un logo, ou un motif en macaron du genre de ce qu’on peint sur le fuselage des avions… Mais bon, c’était juste un dessin comme ça, histoire de travailler une ambiance particulière, mais sans finalité précise.

Les cheveux posent un peu problème, dans cette composition : ils jouent un rôle essentiel, pour donner à l’image sa dynamique doucement tourbillonnante, mais je crois bien que je me suis tellement préoccupé de leur donner un certain mouvement, que je ne me suis pas assez soucié de faire en sorte… qu’ils ressemblent à des cheveux ! En fin de compte, ça ressemble plus à un coussin effiloché, ou je ne sais quoi, mais ça n’a pas vraiment l’air d’être les cheveux de la fille. L’autre difficulté, évidemment, c’est les mains et les pieds. Décidément, c’est vraiment très difficile à dessiner, ces machins là… Ici, les mains sont presque potables (pas géniales, mais potables), mais les pieds sont sans doute trop petits. Evidemment, c’est mignon, mais bon faut pas exagérer. Et puis le dessin des orteils est bizarre. C’est presque plus dur à dessiner que des doigts, des orteils… Mais si je lui avais mis des chaussettes ça aurait vraiment été étrange, non ?

À travers la jambe droite, on distingue des traces du contour de la jambe gauche, et des bras, qui ont été d’abord dessinés, pour être à peu près sûr des proportions, puis gommés là où ils disparaissaient. Là aussi, y’a pas de recette miracle : pour qu’un membre ou une partie du corps (ou d’un objet, vêtement, etc) ait l’air convenablement construit, il faut en dessiner quasiment toutes les parties, y compris celles qui sont destinées à être invisibles. Inutile dans ce cas de travailler dans le détail, ce serait inutile et ça rendrait l’esquisse beaucoup trop confuse, mais il faut un minimum travailler ce que l’on dessine en le concevant comme une forme en trois dimensions projetée à plat, et non comme une image en deux dimensions à laquelle de « petits détails » viendraient donner vie et réalisme.

J’aime bien dessiner les cheveux, tracer des volutes, jouer avec les mèches qui s’entortillent et passent devant ou derrière les unes les autres, distinguant ainsi les différents plans de l’image, et donnant à la fois un effet décoratif et beaucoup de mouvement. Evidemment, ce genre de dessin est très inspiré des créations d’Alphonse Mucha, qui s’amusait beaucoup aussi à dessiner des chevelures complètement délirantes…

Ce dessin est surtout extrêmement typique de mon goût démesuré -et quasi-obsessionnel- pour le dessin des formes courbes… 😉
Parfois, je me demande si mon style aurait pris une orientation radicalement différente si j’avais plutôt fait des études d’architecture, ou de dessin technique. Franchement, je ne crois pas. Mais bon, va savoir…

Cette fois-ci, le modèle était un gros bonhomme assez rondouillard. La pose était intéressante (toute ramassée), et j’ai eu envie d' »interpréter » ce que je voyais, en dessinant le modèle en Tchoubou (pour ceux qui ne connaissent pas, Tchoubou est une sorte de gros nounours, et surtout un personnage important de la série de BD que j’ai réalisée avec Marc Bati, « Sylfeline »).
Je m’en suis donc très strictement tenu à la pose et à l’expression du modèle, mais en dessinant un Tchoubou avec ses proportions typiques, et sa fourrure touffue. Je trouve le résultat assez intéressant, et surtout très révélateur de l’importance du modèle dans un dessin : cela apporte une expression, une vie, qui n’est pas forcément évidente à inventer, à sortir de son imaginaire. L’intérêt d’une telle expérience c’est aussi qu’on peut découvrir de quelle manière on peut donner un caractère très humain à un personnage dont les traits sont pourtant très « cartoon », voire simplistes. On peut aussi en profiter pour voir -et ça c’est vraiment très important- que ce que l’on nomme « expression » ne tient pas seulement (et de loin !) aux traits du visage, mais aussi énormément à la posture générale, à tout ce que le corps peut exprimer, par le geste comme par les proportions.
Et je crois que, paradoxalement, c’est sur une représentation non-humaine qu’on peut le mieux s’en rendre compte. Peut-être faut-il y voir le signe que, si habitués que nous sommes à être entourés d’humains, nous avons perdu l’habitude de décrypter consciemment la signification des gestes, la manière dont le corps tout entier « parle ». Adaptée à un corps qui n’est pas humain, une telle expressivité saute aux yeux. C’est un enseignement très intéressant, et il y a beaucoup à en tirer, je crois, pour qui souhaite s’exprimer à travers le dessin…

En fait je me rendais à l’impromptu à l’anniversaire d’un pote, ça s’est décidé très vite, et je me sentais un peu nouille d’arriver les mains vides… Alors j’ai bricolé ce petit dessin en exploitant une astuce technique assez intéressante : travailler sur un papier de couleur !
On trouve très facilement, en papeterie ou dans les magasins d’articles pour artistes, des feuilles de couleur. Et pas besoin d’investir dans des papiers luxueux ou de grandes feuilles : on trouve de très chouettes couleurs pour pas cher, et un format A4 convient très bien pour ce genre de petits dessins. L’important c’est quand même que le papier ne soit pas trop « mou » (ce qui n’a rien à voir avec son grammage ou son épaisseur : un papier peut être fin et solide, je crois que c’est surtout lié à la proportion de colle et de fibre dans le papier : trop de fibre (papier « pulpeux ») et le support risque d’être trop mou, trop de colle (papier « couché ») et il sera costaud mais n’accrochera pas bien le crayon) et ait un peu de texture, pour qu’on puisse facilement crayonner dessus et, si on utilise des crayons de couleur, que le pigment accroche bien sur la surface.
Ici par exemple j’ai fait un crayonné rapide (c’est pas un dessin compliqué), et surtout très léger : sur du papier coloré, en général, il n’est pas du tout évident de gommer, alors autant partir du principe que le crayonné restera là.
J’ai tracé les traits au feutre noir fin, mais ça n’est pas forcément indispensable, puis j’ai attaqué une mise en couleurs assez sommaire, mais néanmoins efficace : avec des tonalités qui restent dans la couleur dominante donnée par le papier lui-même, j’ai fait un travail de modelé en hachures, y compris en utilisant des crayons plus clairs que la couleur du papier, et même du crayon blanc… L’effet est assez rigolo, parce que le crayon contraste assez fortement par rapport à ce qu’on aurait obtenu sur du papier blanc, et l’utilisation du crayon blanc pour rehausser les effets de lumière donne souvent de bonnes surprises. En tout cas c’est très agréable à travailler… Petite cerise sur le gâteau (qu’on ne voit malheureusement pas très bien sur ce scan) : les bracelets que porte cette créature dodue mais voletante au poignet et à la cheville sont faits avec de petites touches de feutre doré. C’est pas difficile et, quand ça brille à la lumière, ça fait toujours son petit effet… 😉

Au final, on fait une économie de temps (la couleur dominante est présente dés le début sans qu’on ait besoin de couvrir la surface), mais surtout on ne se préoccupe plus guère de la question de la couleur et on peut donc se laisser porter par l’inspiration, la couleur prenant même dans une certaine mesure le pas sur le dessin, ce qui permet de privilégier l’ambiance, et l’émotion plutôt que le caractère descriptif de l’illustration.
En l’occurence ça convient tout à fait, le bleu étant la couleur des songes et de l’imaginaire, et donc très logiquement la tonalité idéale pour la magie des fées…

 À l’époque où j’ai commencé à bosser pour ACBM, pour les revues Le Virus Informatique et Les Puces Informatiques, le rédacteur en chef m’avait demandé de représenter un personnage qui restait mystérieux, Angélique, qui était en fait le nom du « robot » qui maintenait le channel IRC pour dialoguer avec les lecteurs de ces revues. J’avais donc dessiné une petite angelotte assez chouquette et vêtue de dentelle blanche et, quelques temps plus tard j’ai pris l’initiative de dessiner sa contrepartie, cette diablotine (dé)vêtue de noir…

Que dire sur cette esquisse, sinon qu’elle était bien rigolote à faire ? Et puis j’aime assez le regard vraiment très coquin de cette diablesse qui volette avec ses toutes petites ailes de chauve-souris. Evidemment, il est assez amusant de dessiner une bellaminette aussi paradoxalement vêtue (rien de plus que des bas et des gants -et aussi une espèce de collier à clous, un peu « rebelle », mais qu’on distingue mal sur ce dessin-, ce n’est pas exactement ce qu’on peut appeler le minimum pour préserver sa pudeur…) mais en un sens, ce sont peut-être ses yeux qui sont l’aspect le plus érotique du personnage…
Au bout du compte, si je me souviens bien, la version finale de ce dessin s’est vue dotée d’un bustier en dentelle noire assez transparente, mais je trouve que j’ai bien fait de conserver cette version préparatoire :).

 Il fait un temps gris, tout le monde repart au boulot…

Encore que moi j’ai pas pris de vacances (la période estivale est pour moi un moment privilégié : comme ceux qui, d’habitude, me commandent des dessins, sont en vacances, j’ai enfin le temps de faire les dessins dont j’ai l’inspiration sans forcément les destiner à une publication. Autrement dit, les vacances, pour moi, c’est le moment où je peux dessiner des choses que personne ne m’a commandées !), donc je n’ai pas spécialement remarqué de changement, à part que la chaleur étouffante du mois d’août s’est enfin calmée, ce que je ne peux qu’apprécier.
Que dire de ce petit dessin ? Pas grand-chose, sinon que les proportions un peu « SD » du personnage sont une bonne occasion pour travailler sur la dynamique, l’expression du mouvement, en ne se préoccupant pas trop de justesse anatomique, vu que tout ici est « ratatiné ». En dessin, comme en toutes choses, il convient de séparer chaque problème en sous-problème, pour pouvoir faire des progrès en travaillant une question à la fois. On pourrait se dire « peu importe, je vais faire un dessin où l’anatomie sera nulle et où mes efforts se porteront sur la dynamique », mais si le résultat est moche, ça n’est pas gratifiant. On dessine avant tout pour se faire plaisir, sinon ce serait du dessin industriel (et encore, je ne suis pas très calé en dessin industriel, mais j’imagine qu’une dessin technique bien fait, ça doit être plaisant à regarder, pour un spécialiste…).
Je ne crois pas vraiment au trip « académique » façon Shadok, où il faut rater pendant des années pour que ça commence à réussir… On devrait pouvoir se satisfaire de chaque petit dessin, y trouver quelque chose de rigolo, d’original, d’inattendu, qui fasse qu’on puisse au moins se dire « j’ai bien fait de dessiner ça ». Comment faire un deuxième dessin si on n’a pas trouvé de plaisir à faire le premier ?
Cela dit, je bute moi aussi parfois sur des obstacles qui font qu’un dessin est décourageant. Je ne parviens pas toujours à faire ce que je voulais, à surmonter une difficulté technique qui n’est qu’un aspect secondaire du dessin mais qui fait que ça devient quand même laborieux, déplaisant, alors que chaque dessin devrait être tout le contraire. Mais ce n’est peut-être qu’une question de point de vue, il faut faire le tri, et ne pas forcément s’encombrer du souci de forcément « réussir » tel ou tel aspect du dessin qui n’est pas le but de ce dessin, qui n’est qu’un accessoire de l’oeuvre, mais pas l’oeuvre elle-même.
Un dessin n’a pas besoin d’être « réussi » pour mériter d’exister. S’il encourage à en faire d’autres, c’est une réussite en soi, suivant ce bon vieil adage qui dit que l’on ne fait rien mieux que ce que l’on aime faire. Et c’est ça (je crois…) le plus important : aller de l’avant, et non cette idée abstraite de « réussite » à tout prix qui peut nous laisser bloqué, en panne, sur le bord de la route, parce qu’il y a un machin qui n’est pas « parfait », comme si ce mot pouvait signifier quelque chose…

 C’est encore l’égérie du magazine Lotus Noir qui s’y colle…

Je n’ai rien de bien particulier à raconter au sujet de cette esquisse, à part peut-être que, aussi bête que cela puisse paraître, j’ai mis un bon moment avant de me souvenir comment dessiner la chaise longue… Ben oui, ça peut sembler idiot, mais c’est typiquement le genre d’objet dont on se dit « c’est facile à dessiner », avant de réaliser, au moment de le faire, qu’on ne sait plus du tout comment c’est fait ! Et c’est dans ces cas là qu’on n’arrive plus du tout à remettre la main sur ces docs (pubs, photos d’agence de voyage, sites web, etc) où on pourrait en voir nettement un exemple pour se remettre la chose en tête.

Finalement, je m’en suis à peu près sorti, encore que pour bien faire il aurait fallu dessiner des encoches sur les pieds qui partent vers l’arrière, et aussi sans doute faire les parties en bois un peu plus épaisses. La manière dont le tissu s’enfonce sous le poids (certes très raisonnable) de la belle n’est sans doute pas très convaincante non plus. Pour plus de réalisme, ça aurait dû être plus droit, j’imagine. La rondeur des traits, ici, donne une légère impression de molesse, alors qu’au contraire on devrait y voir une certaine tension.

Plus important, cependant : il y a dans ce dessin un « petit détail » qui cloche… Qui cloche gravement !!!
La demoiselle a… deux pieds droit ! Carrément…

Voilà ce que c’est quand on se concentre sur la mise en perspective des accessoires, et sur les petits détails (de décor, de fringues, etc) : on fait des grosses bourdes d’anatomie ! Bon, la raison en est ici compréhensible : comme elle croise les jambes, j’ai pas bien réfléchi, et j’ai mis les deux gros orteils du même côté…
Voilà pourquoi il est si important que je soumette toujours une esquisse au rédacteur en chef avant de finaliser le dessin : non seulement c’est bien d’avoir un avis extérieur sur un dessin en cours de mise au point, mais en plus ça donne un peu de temps pour « laisser reposer la pâte », et donc prendre le temps nécessaire pour avoir un peu de recul. En revoyant cette esquisse j’ai réalisé mon erreur, et me suis bien sûr empressé de rectifier l’anatomie de cette pauvre Pétale de Lotus au moment d’encrer le dessin.

Depuis, je fais nettement plus attention à ce genre de « petits détails »… 😉

On l’aura deviné à la physionomie du modèle, pas tout à fait proportionné comme la bellaminette « classique », et au trait un peu différent de celui des croquis faits d’imagination : il s’agit ici d’un dessin réalisé pendant un cours d’analyse morphologique, comme pour le croquis présenté le 11 août passé.

Ici c’était une pose un peu plus longue, donc la méthode de travail est un peu différente : j’avais plus de temps pour construire le corps, préciser des traits, insister sur les contours, et même un peu de temps en rab pour ébaucher un modelé, en achurant les zones d’ombre.
La pose étant un peu longue, et comme je ne savais plus trop quoi faire de plus sur ce dessin, le pingouin en a profité pour venir faire l’andouille et prendre la même attitude que le modèle (qui, du coup, a un air un peu étonné, ce qui est assez compréhensible…).

Le bout du pied gauche semble avoir disparu. C’est simplement qu’en commençant mon dessin, j’ai commis une bévue hélas très fréquente chez moi : je n’ai pas prévu assez de place ! Les orteils sortaient de la feuille, tout bêtement… :b