Restons donc dans le thème des petites bêtes avec ce pingouin façon Léonard… 🙂

On dirait moi quand je dessine : heureux. 🙂

Et puis j’aime bien son petit soutien-gorge « clavier ». 🙂
Je ne sais pas si ça existe déjà, sinon ça serait sympa de créer ce modèle, ça ne doit pas être bien compliqué (mais bon, j’en sais rien, je n’y connais rien en couture, moi).

En attendant, si quelqu’un dont le business est relié à la musique avait un job (comme logo, mascotte, que sais-je encore ?) pour cette mélomane bellaminette, il ne faut pas hésiter à me contacter, c’est moi son impressario. 😉

 Le titre de cette semaine est inspiré d’une chanson (« Va chemine, va trottine, va petit âne, va deci-delà cahin-caha le picotin te récompensera… ») de l’opérette « Véronique », d’André Messager.

C’est parce que je devais dessiner Pétale de Lotus déguisée en… âne !

Ci-contre, vous pouvez voir les premières recherches : une série de croquis en tout petit format, pour essayer de trouver une pose intéressante, rigolote, cohérente par rapport au sujet. Et manifestement, ça ne vient pas toujours du premier coup…

Finalement, c’est celle d’en bas à droite qui a été retenue…

Je réalise alors une esquisse purement « anatomique » en fonction de la pose choisie…

Le but ici n’est rien de plus qu’avoir un personnage qui soit suffisamment réaliste et dynamique.

Je scanne mon premier dessin puis, de même que j’aurais travaillé à la table lumineuse pour concevoir costumes et accessoires si j’avais travaillé entièrement sur papier, je crée un calque au-dessus de celui où se trouve cette première étape, dans mon programme de retouche d’images.
Je le remplis en bleu et je le passe en mode « superposition ». De cette façon, mon premier crayonné en nuances de gris devient bleu, tout comme si j’avais travaillé à la mine bleue, comme ça se pratique aussi très bien sur papier.

Je crée à nouveau un autre calque, et cette fois je travaille dessus en noir, grâce à la tablette graphique.
Je peux ainsi concevoir le costume sans abîmer la première esquisse, et comme la « base » (le corps de Pétale) est atténuée par le passage en bleu, je vois plus aisément le niveau sur lequel je suis en train de travailler.

L’avant-dernière étape est celle du passage à la couleur : une fois que l’esquisse du costume est aplatie sur celle du corps (après avoir éliminé le calque qui servait à « bleuir » le premier dessin), et que j’ai donc un trait qui me convient pour le personnage costumé, il me reste à choisir les couleurs que je vais appliquer.
Et pour ça, rien de mieux que de se rendre compte en direct de ce que ça va donner…
Je passe donc le calque du trait en mode « produit », je crée un autre calque en-dessous, et toujours grâce à la tablette graphique, et par petits coups de pinceau, je barbouille avec des couleurs transparentes, un peu comme si j’avais travaillé au feutre. À ce stade, la « propreté » m’importe peu, ce qui compte c’est l’harmonie d’ensemble.

Après, il reste à finaliser le trait à partir d’un tirage papier, et de réaliser la couleur définitive, mais ça, c’est un résultat que vous verrez, heu… si vous achetez l’édition anglaise de Lotus Noir. 😉

L’expression « dans le simple appareil d’une beauté qu’on vient d’arracher au sommeil » pourrait convenir à celle-ci, encore que ces mots sont, à l’origine, supposés décrire une belle en tenue d’Ève…
Mais l’esprit y est, ainsi que le bol de chocolat chaud du petit déjeuner, les cheveux en bataille, le T-shirt / pyjama (sur lequel est inscrit « sleeping beauty »… je ne sais pas si ça se voit sur le dessin, mais il me semble que ça n’est pas hors-sujet ;)), et le réflexe matinal d’allumer son ordi pour relever ses e-mails.

Il s’agit, en l’occurence, de l’esquisse d’une illustration pour la page du courrier des lecteurs, et le propos était bien entendu d’évoquer l’intérêt de Pétale pour les messages que lui envoient chaque jour tous ses fans de par le monde…

Souvent, avant d’attaquer la construction du personnage à la dimension finale, surtout quand je ne suis pas trop sûr de la posture que je vais lui donner, je commence par faire des mini-esquisses en petit (comme précédemment expliqué ici), dans un coin de ma feuille, histoire de voir ce qui pourrait convenir. L’intérêt de faire ces « prototypes » miniatures c’est qu’en peu de traits on peut se faire une idée de la voie à suivre. L’idéal est bien sûr de faire en quelque sorte le dessin dans sa tête, puis de le retranscrire sur papier. Mais parfois on n’est pas vraiment convaincu de ce que serait la meilleure solution. Un mini-crobard permet alors de « fixer » une ou des options possibles, et de les comparer.

Là, on peut voir qu’après un premier test avec une posture assez droite mais, justement, un peu trop raide (seule la cape aurait apporté un peu de mouvement dans l’image), j’ai essayé de voir ce que donnerait une pose plus ramassée, avec un mouvement plus complexe dans la cape et, surtout, l’épée-laser brandie de manière assez menaçante. Il y a même trois essais différents de positionnement de l’épée… Non, ce n’était pas pour faire un GIF animé 😉 mais pour voir ce qui, dans la composition de l’image, conviendrait le mieux pour placer l’épée. Finalement, y’a pas de mystère : l’épée levée est tout de même plus agressive, et c’est donc l’option qui sera retenue.
En attaquant le crayonné définitif, j’ai procédé comme souvent : un « premier jet », puis je retourne la feuille et, par transparence grâce à la table lumineuse, je travaille mon personnage de l’autre côté pour rectifier les erreurs, préciser des détails et tracer les vêtements, sans « massacrer » la première étape, qui est évidemment le support de tout le reste. Du coup, c’est logique, cette deuxième étape est à l’envers, par rapport à la première esquisse, qui est bien entendu faite dans le sens que je souhaitais au départ pour le dessin final. Eh bien il arrive qu’à ce stade je me rende compte que ça se présente mieux dans un sens que dans l’autre, et là c’est typiquement le cas : en orientant le corps vers la gauche, finalement, l’action semble pouvoir se diriger vers la droite, et donc dans le sens de lecture (ce qui est mieux, pour une illustration dans une page de magazine, environnée de texte, et qu’on explore de gauche à droite…). C’est donc cette orientation qui a été adoptée, ce qui explique le retournement par rapport à la mini-esquisse No 2.

Que dire d’autre ? Que le drapé de la cape n’est sans doute pas très réaliste… C’est pas facile à faire, les drapés ! Mais bon, grosso-modo l’effet recherché (dynamiser la composition) est à peu près atteint, c’est le principal.
L’importance de la doc, aussi : il est essentiel de savoir s’en libérer, de ne surtout pas se sentir piégé par les références visuelles, mais avoir quelques points de départ est vraiment important, surtout quand il s’agit, comme ici, d’une figure emblématique, et qu’on doit évidemment reconnaître du premier coup d’œil ! Dans ce cas, bien entendu, j’ai sans difficulté trouvé toutes les photos dont j’avais besoin sur le web.

Merci l’Internet !… 😉

Voilà un personnage qui n’a pas beaucoup servi (une seule case dans tout l’album, plus une présence discrète sur le dos de couverture) et qui est surtout resté très discret, car son nom ne figure nulle part… Le secret vous est donc enfin révélé, à l’occasion de la présentation de cette esquisse, qui constitue le prototype du personnage, réalisé sur un coin de papier croquis.

Ce dessin représentait un défi très intéressant à relever, puisqu’il s’agissait, en quelque sorte, de créer ce qu’il faut bien appeler une bellaminette en peluche ! Je me suis donc efforcé de dessiner un personnage qui soit à la fois rondouillard et élégant, pataud et vaporeux, pelucheux et féminin, enfin bref, l’impossible !… Dans la foulée, j’ai évidemment ajouté les « petits détails » qui contribuaient à faire ressembler ce personnage à une déesse : voiles flottants et transparents, bijoux magiques, et bien entendu une posture évoquant le caractère intangible de cette être, et donc je l’ai dessinée flottant dans les airs. Les traits propres à Tchoubou sont devenus féminins, avec un côté chat persan, de longs poils très légers et entrelacés à la manière des cheveux des bellaminettes un peu « art nouveau », des cils très longs, et surtout des proportions adaptées : mains et pieds très menus, et pelage pigeonnant sans rendre le personnage grassouillet.

Eh ben c’était pas facile !… Ça aurait pu tourner au ridicule, donner une caricature burlesque, quelque chose qui n’aurait rien eu à voir avec ce que j’essayais d’évoquer, de douceur et de tendresse, à travers ce personnage…
Mais finalement je trouve ce résultat très mignon… 🙂

Cette bellaminette était un pur projet de recherche… Ça aurait pu être une esquisse pour la pub d’un parfum qui se serait appelé « roudoudou » ou quelque chose comme ça… 😉
À cause de la forme générale qui s’inscrit très bien dans un cercle ça aurait pû faire une pin-up pour un logo, ou un motif en macaron du genre de ce qu’on peint sur le fuselage des avions… Mais bon, c’était juste un dessin comme ça, histoire de travailler une ambiance particulière, mais sans finalité précise.

Les cheveux posent un peu problème, dans cette composition : ils jouent un rôle essentiel, pour donner à l’image sa dynamique doucement tourbillonnante, mais je crois bien que je me suis tellement préoccupé de leur donner un certain mouvement, que je ne me suis pas assez soucié de faire en sorte… qu’ils ressemblent à des cheveux ! En fin de compte, ça ressemble plus à un coussin effiloché, ou je ne sais quoi, mais ça n’a pas vraiment l’air d’être les cheveux de la fille. L’autre difficulté, évidemment, c’est les mains et les pieds. Décidément, c’est vraiment très difficile à dessiner, ces machins là… Ici, les mains sont presque potables (pas géniales, mais potables), mais les pieds sont sans doute trop petits. Evidemment, c’est mignon, mais bon faut pas exagérer. Et puis le dessin des orteils est bizarre. C’est presque plus dur à dessiner que des doigts, des orteils… Mais si je lui avais mis des chaussettes ça aurait vraiment été étrange, non ?

À travers la jambe droite, on distingue des traces du contour de la jambe gauche, et des bras, qui ont été d’abord dessinés, pour être à peu près sûr des proportions, puis gommés là où ils disparaissaient. Là aussi, y’a pas de recette miracle : pour qu’un membre ou une partie du corps (ou d’un objet, vêtement, etc) ait l’air convenablement construit, il faut en dessiner quasiment toutes les parties, y compris celles qui sont destinées à être invisibles. Inutile dans ce cas de travailler dans le détail, ce serait inutile et ça rendrait l’esquisse beaucoup trop confuse, mais il faut un minimum travailler ce que l’on dessine en le concevant comme une forme en trois dimensions projetée à plat, et non comme une image en deux dimensions à laquelle de « petits détails » viendraient donner vie et réalisme.

J’aime bien dessiner les cheveux, tracer des volutes, jouer avec les mèches qui s’entortillent et passent devant ou derrière les unes les autres, distinguant ainsi les différents plans de l’image, et donnant à la fois un effet décoratif et beaucoup de mouvement. Evidemment, ce genre de dessin est très inspiré des créations d’Alphonse Mucha, qui s’amusait beaucoup aussi à dessiner des chevelures complètement délirantes…

Ce dessin est surtout extrêmement typique de mon goût démesuré -et quasi-obsessionnel- pour le dessin des formes courbes… 😉
Parfois, je me demande si mon style aurait pris une orientation radicalement différente si j’avais plutôt fait des études d’architecture, ou de dessin technique. Franchement, je ne crois pas. Mais bon, va savoir…

Cette fois-ci, le modèle était un gros bonhomme assez rondouillard. La pose était intéressante (toute ramassée), et j’ai eu envie d' »interpréter » ce que je voyais, en dessinant le modèle en Tchoubou (pour ceux qui ne connaissent pas, Tchoubou est une sorte de gros nounours, et surtout un personnage important de la série de BD que j’ai réalisée avec Marc Bati, « Sylfeline »).
Je m’en suis donc très strictement tenu à la pose et à l’expression du modèle, mais en dessinant un Tchoubou avec ses proportions typiques, et sa fourrure touffue. Je trouve le résultat assez intéressant, et surtout très révélateur de l’importance du modèle dans un dessin : cela apporte une expression, une vie, qui n’est pas forcément évidente à inventer, à sortir de son imaginaire. L’intérêt d’une telle expérience c’est aussi qu’on peut découvrir de quelle manière on peut donner un caractère très humain à un personnage dont les traits sont pourtant très « cartoon », voire simplistes. On peut aussi en profiter pour voir -et ça c’est vraiment très important- que ce que l’on nomme « expression » ne tient pas seulement (et de loin !) aux traits du visage, mais aussi énormément à la posture générale, à tout ce que le corps peut exprimer, par le geste comme par les proportions.
Et je crois que, paradoxalement, c’est sur une représentation non-humaine qu’on peut le mieux s’en rendre compte. Peut-être faut-il y voir le signe que, si habitués que nous sommes à être entourés d’humains, nous avons perdu l’habitude de décrypter consciemment la signification des gestes, la manière dont le corps tout entier « parle ». Adaptée à un corps qui n’est pas humain, une telle expressivité saute aux yeux. C’est un enseignement très intéressant, et il y a beaucoup à en tirer, je crois, pour qui souhaite s’exprimer à travers le dessin…